¿Puede la educación artística responder a la crisis de atención contemporánea?

Reflexiones desde el I Congreso Iberoamericano de Educación y Formación Artística y Cultural.

En mayo de 2026, veinte países iberoamericanos se reunieron en Bogotá para hacer algo inusual en la política cultural de la región: acordar. El resultado fue REDARTES, la primera red formal de educación artística y cultural del continente, con Colombia en la presidencia y la OEI como secretaría técnica. El evento fue histórico por su escala, por su voluntad política y por algo más difícil de lograr: por el entusiasmo genuino de quienes lo protagonizaron.Y sin embargo, hay una pregunta que el Congreso no terminó de hacerse.No es una pregunta sobre cobertura, ni sobre financiamiento, ni sobre la dignificación del oficio artístico, aunque todas esas conversaciones son necesarias y urgentes. Es una pregunta más incómoda, más contemporánea, y probablemente más decisiva para los próximos años:

¿Para qué sociedad estamos educando la sensibilidad?

El ruido de fondo que nadie nombró

Vivimos en el momento de mayor producción cultural de la historia humana y, al mismo tiempo, en uno de los momentos de menor capacidad de atención sostenida que se hayan registrado. No es paradoja: es consecuencia. La sobreabundancia de estímulos no amplía la percepción, la fragmenta.Los datos que emergen de las investigaciones en neurociencias cognitivas y psicología del comportamiento son consistentes: la atención sostenida en adultos se ha reducido de manera significativa en la última década. En niños y adolescentes, los efectos son aún más notorios. No se trata de una generación menos capaz, sino de una generación adaptada a entornos que premian la velocidad de respuesta por encima de la profundidad de experiencia.

La OMS estimó que los trastornos de ansiedad y depresión se incrementaron en más del 25% durante el período pospandémico en América Latina. La mayoría de quienes los padecen no accede a ningún tipo de atención especializada. El burnout dejó de ser un diagnóstico de ejecutivos para convertirse en una condición transversal: docentes, artistas, cuidadores, jóvenes.

Este es el paisaje real en el que ocurre la educación artística hoy. No es un telón de fondo: es el contexto que determina con qué cuerpos, qué mentes y qué capacidad de presencia llegan los estudiantes al aula, y también los propios formadores.

Lo que el Congreso sí logró — y no es poco

Sería injusto no reconocerlo: lo que ocurrió en Bogotá es significativo.Por primera vez, ministros de cultura de veinte países firmaron un compromiso compartido de entender la educación artística como política pública y no como adorno curricular. Colombia demostró que es posible operar un programa de esta escala —159.000 estudiantes, 800 artistas formadores, 183 municipios, incluyendo zonas de posconflicto— con pertinencia territorial y vocación de continuidad. La Ley Artes al Aula abrió un marco legal que otros países de la región observan con atención.Y REDARTES, recién nacida, tiene algo que pocas redes regionales logran en su origen: tiene urgencia. Los actores que la construyeron saben que el momento es ahora, que la ventana política es estrecha, y que lo que se defina en los próximos doce meses marcará la arquitectura de la red para años.Eso es un logro real. Es base sobre la cual construir.Pero construir qué, exactamente, es la pregunta que sigue abierta.

El punto ciego del Congreso

En los ejes temáticos del Congreso aparecen palabras como convivencia, paz, ciudadanía, identidad, territorio, derechos culturales. Todas necesarias. Todas legítimas.Lo que aparece notablemente poco —en los documentos, en las ponencias, en los acuerdos— son palabras como atención, presencia, cuerpo, regulación emocional, agotamiento, salud mental, bienestar psicológico.No es un olvido menor. Es una brecha conceptual que tiene consecuencias prácticas.

Cuando un artista formador llega a trabajar en un municipio afectado por décadas de conflicto, no llega a un aula neutral. Llega a un espacio cargado de trauma no procesado, de duelo colectivo, de hipervigilancia aprendida.

Y cuando ese mismo formador termina su jornada, carga con algo que el programa no tiene nombre para nombrar todavía: el peso emocional de sostener procesos de vida mientras nadie sostiene los propios.El arte puede hacer mucho en ese escenario. Pero para hacerlo bien necesita formadores que entiendan algo más que técnica artística. Necesitan comprender cómo el estrés altera la percepción, cómo el trauma se almacena en el cuerpo, cómo la atención se puede entrenar y cómo una práctica artística puede ser, cuando está bien guiada, un espacio de regulación sensible y no solo de expresión creativa.Eso no es psicología clínica. Es pedagogía informada por la ciencia.

El arte como práctica de atención

Hay algo que el arte hace que casi ninguna otra experiencia puede replicar en el aula: obliga a estar presente.No en el sentido retórico de la frase. En el sentido literal:

Dibujar exige mirar de verdad.
Bailar exige escuchar el propio cuerpo.
Tocar un instrumento en grupo exige sincronizar la atención propia con la de otros.
Escribir desde la experiencia exige detenerse ante lo que normalmente se pasa de largo.

En un ecosistema cultural que ha optimizado todo para la velocidad y la superficie, estas son capacidades extraordinariamente valiosas. No porque sean bonitas, sino porque son cognitivamente necesarias. La atención sostenida, la tolerancia a la ambigüedad, la capacidad de estar con una experiencia sin resolverla de inmediato — estas son habilidades que la neurociencia asocia con mayor bienestar subjetivo, mejor regulación emocional y mayor resiliencia ante el estrés.

El arte no es terapia. Pero tampoco es neutral.

ArteMental — Observatorio 2026

Cuando se practica con conciencia de sus mecanismos —de cómo activa el sistema nervioso, de cómo modula la atención, de cómo genera experiencias de flujo y de conexión social— el arte se convierte en una de las herramientas más potentes que la educación tiene para responder a la crisis de presencia que define nuestro tiempo.El problema es que hoy, en la mayoría de los programas de educación artística de la región, eso no se nombra. No se enseña. No se mide.

La pregunta que REDARTES todavía puede hacerse

Una red nace con la oportunidad de definir sus propias preguntas. Eso es exactamente lo que tiene REDARTES ahora, antes de que su arquitectura se consolide, antes de que las inercias institucionales decidan por ella.La pregunta que todavía puede hacerse es esta: ¿queremos que la educación artística iberoamericana sea un sistema que garantiza acceso, o un sistema que transforma la relación de las personas con su propia experiencia interior?Las dos cosas no son excluyentes. Pero la segunda requiere algo que la primera no siempre contempla: tomarse en serio el bienestar de quienes aprenden y de quienes enseñan. Integrar en la formación de formadores el conocimiento sobre cómo el arte actúa sobre el sistema nervioso. Medir no solo cuántos estudiantes pasan por un programa, sino qué cambia en su capacidad de atención, de regulación emocional, de presencia en el mundo.

Eso implica construir observatorios que no solo registren cobertura, sino que documenten experiencia. Implica desarrollar metodologías que integren pedagogía artística y bienestar mental, no como disciplinas paralelas sino como un campo convergente. Implica reconocer que un artista formador agotado no puede sostener procesos de transformación, y que el cuidado del cuidador no es un lujo sino una condición pedagógica.

Colombia, desde la presidencia de REDARTES, tiene una ventana de doce meses para incidir en cómo la red define estas preguntas. Eso es, en política cultural, una oportunidad extraordinariamente rara.

La pregunta que sigue abierta

No hay una conclusión ordenada para esto, y probablemente no debería haberla.Lo que sí parece claro es que la educación artística que necesita Iberoamérica en 2026 no es solo la que garantiza que los niños canten, dibujen o actúen. Es la que les enseña —y les enseña a través del arte— a habitar con más integridad su propio cuerpo, su propia atención, su propio tiempo interior en un mundo que hace todo lo posible por sustraérselos.Eso requiere formadores distintos. Requiere preguntas distintas. Requiere que la agenda de REDARTES se haga, pronto, la pregunta que el Congreso todavía no se hizo del todo:

¿Qué formas de sensibilidad necesita hoy una sociedad que no sabe cómo estar quieta?

Este texto surge desde ArteMental, proyecto de investigación en neuroartes y artes para el bienestar mental, que sigue de cerca la construcción de la agenda iberoamericana de educación artística y cultural desde una perspectiva de salud, percepción y presencia.

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2 Comentarios

Julie
12 junio, 2026 at 10:00 pm
Gracias, Catalina, por plantear esta pregunta fundamental para el futuro de la educación artística. Como docente de arte y profesora de Kundalini Yoga, te agradezco que hayas resumido la visión que tengo sobre cómo compartir el ser artista con mis alumnos. Principalmente porque, como mujer y artista, también es un reto diario relajarme lo suficiente para centrar mi atención y conectar más profundamente con mi oficio. Ahora, pertenezco a la generación que conoció el mundo antes y después del internet y de las redes sociales, y, por lo tanto, siento que necesito aún más presencia y apertura para entender y aceptar las nuevas formas de pensar y expresarse de mis alumnos. Dicho esto, en este nuevo año escolar, mi intención va a ser vivir la pregunta que haces: «¿Qué formas de sensibilidad necesita hoy una sociedad que no sabe cómo estar quieta?» Porque si bien para mí esta sensibilidad se educa en el silencio, la observación neutral y el sentir profundo, quizás sea otra para la juventud de hoy en día. ¿Recién me preguntaba de dónde nace esta fascinación de mis alumnos por la estética manga o por los videojuegos? ¿Qué sensibilidad se despierta en ellos al conectar visual y corporalmente con ello? Ahora sí me fui por las ramas, pero agradezco nuevamente muchísimo tus planteamientos. Quedo atenta a aprender y discutir más sobre el asunto.
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1. Catalina Linero
  14 junio, 2026 at 2:47 am
  Julie, qué comentario tan bello y generoso. Gracias por tomarte el tiempo de leer, pensar y devolver la pregunta desde tu propia experiencia como artista, docente y mujer.
  Me parece muy valioso lo que planteas: esa tensión entre el silencio, la observación y el sentir profundo —tan necesarios para la práctica artística— y, al mismo tiempo, las nuevas formas de sensibilidad que aparecen en los estudiantes a través del manga, los videojuegos, las imágenes digitales y los lenguajes visuales contemporáneos.
  Creo que ahí hay una pregunta fundamental para la educación artística hoy: no solo cómo “recuperar” la atención, sino cómo comprender las nuevas maneras en que los niños y jóvenes atienden, se vinculan, se emocionan y construyen mundo.
  Quizás el reto no sea oponer el silencio a lo digital, o la contemplación a la cultura visual actual, sino encontrar puentes sensibles entre esos territorios. Enseñarles a mirar con más profundidad aquello que ya les fascina. Ayudarles a descubrir qué hay detrás de una imagen, de un personaje, de una estética, de una experiencia corporal o visual que los convoca.
  Gracias por llevar la reflexión hacia ese lugar. Me quedo también con tu pregunta: ¿qué sensibilidad se despierta hoy en ellos cuando conectan visual y corporalmente con estos lenguajes? Creo que ahí hay mucho por conversar, investigar y aprender juntas.
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Catalina Linero

Soy creadora e investigadora visual con más de 18 años de experiencia, apasionada por entender el comportamiento humano frente a las artes visuales. Mi trabajo se centra en la investigación y la experimentación, explorando cómo la creatividad puede convertirse en una herramienta transformadora para las personas.

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